超王道・トーンを使った基本の塗り方

相変わらず「色使い」で悩む人は多いです。
とりあえず分からないなりに適当に塗ってみて、完成直後はそれなりに描けたように見えたけど、他人の絵と比較すると明らかにケバかったり。
そんなときちょっとイラッとするんだけど、どうしたらいいかは分からないからモヤモヤしてみたりするんです。

デッサン練習は最悪ラクガキでいいので、初級段階の練習くらいなら子供でもできます。
でも色使いの練習には「正しい色を選ぶ」という考える作業が必要なため、どうしたらいいか分からない人が多いです。
どちらかといえばデジタルでしか塗ったことがない人の方が、色で悩みやすいようです。

アナログの場合は使う絵の具の種類である程度タッチが決まってしまうのと、使える色数もお小遣いの金額で決まったりするため、実際に塗り始めてから悩むということはそんなにありません。
ですがお絵かきアプリとなると話が急にややこしくなり、たとえば「肌色」に相当する色だけでも物凄い数あります。
今試しに手持ちのアプリを立ち上げて確認してみたところ、自然なリアルタッチの場合に、人間の肌に使える色だけでも計算上2500色前後ありました。
これに特殊な環境光の場合や亜人の肌の場合なども加えれば、選択肢は数万色にのぼります。
そんなに選択肢があったら、そりゃあ悩むのも当たり前です。

にも関わらず、色について本当に何にも知らない人が最初にどうしたらいいのかは、世の中的に情報がそんなに多くありません。
てなわけで今回は、美しく塗りたい人が最初に行うべき勉強法の話。

まずはとにかく「色彩学」

答えから言ってしまうと、最初に色彩学の勉強をしてください。
「難しい知識なんかいらない。ちょっと軽くでいいんだよ」とか思ってるからダメなんです。

《美》とは、そんな簡単に作れるものではありません。
専門知識をガッツリ勉強してください。
このブログの読者はガチ勢のはずですが、楽をしたければどうぞご自由に脱落してください。
色彩学なくして、塗りを極めるなんて無理です。
(19世紀の色彩理論の発表前にも塗りを極めた画家はいましたが、昔は自然のものを自然色のままに仕上げる塗り方しかありませんでした。なので美しく塗るには、とにかく何十年でも練習するしかなかったのです。「美しく塗る」というスキルが簡単に手に入るようになったのは、ひとえに色彩学のおかげです)

また色彩学については、ネットで済ますよりも紙の本を買った方がいいです。
イラスト入門サイトの場合、「トーンの種類」と「カラーホイールの見方」という2点のみが断片的に軽く書かれていて、その具体的な使い方については気合いでやれで済ませてあるケースが非常に多いからです。

しかもそれらの記事の多くは、マンセルシステムやPCCSなどのアナログ向けカラー体系の説明であることが多く、初心者がデジタル塗りに応用するのは難しいです。
デジタルでない用途向けに作られた仕組みをデジタルに応用するには、それなりに根拠を学ぶ必要があります。
ですから、色彩学はちゃんとした本で勉強をした方がいいんです。
(ちなみに色彩学の本を買うときは、間違って「色彩心理学」の本を買わないように気をつけてください。美術絵画を美しく塗るための学問である「色彩学」と、色に対する人間の反応を科学する「色彩心理学」は別物です。色彩心理学の本には、絵の描き方の具体的な方法論の記述は基本ありません)

デジタル塗りの場合、「パステルタッチの絵を描くときは、色をパステルトーンに統一しましょう」という説明では、パステルタッチの絵が描けない子もいます。
これは「パステルトーンと呼べる色」だけでもデジタルの場合は数万色以上にもなり、これがアナログ向け体系の総色数の数倍にもなってしまうからです。

つまるところ、デジタル塗りは色数が多すぎて迷うんです。

だったらどうすればいいか。
簡単です。
使える色数が多すぎて迷うのなら、色数を制限するマイルールを作ってしまえばいいのです。

トーンオントーン・デジタル版

「トーン」とは、色の雰囲気のこと。
「ビビッドトーン」「パステルトーン」「ペールトーン」など、言葉くらいは聞いたことがあると思います。
日本色彩研究所というところが作ったもので、全部で12種類あります。
このトーンを決めてあげると、完成する絵の雰囲気がある程度決まる、というものです。

アナログ塗りのもっとも基本となる色選択法では、このトーンを利用した方法で、「トーンオントーン」というものを用います。
全ての色を同じトーンで統一することでイラスト全体の雰囲気を統一する、という塗り方です。

パステル調の絵が描きたければ、パステルカラーだけを使えばいい。
暗い雰囲気の場合はダークトーンだけを、オシャレな雰囲気ならペールトーンで統一とか。
実にシンプルな考え方です。

デジタルの場合でもこの考え方は使えますが、ただしデジタルは「パステルトーン」と呼べる色だけでも物凄くたくさんあるので、さらに絞り込まなければいけません。
そのためには「HSV」という方式を使います。

通常多くのお絵かきソフトは、HSV方式での色選択ができるようになっています。
(Windows標準のMSペイントの場合は「ESL」と表記されているなど、アプリによって違いはありますが、いちおー「HSV方式」がもっとも広く知れ渡った名前です)

H(色相)は色の種類で、赤・橙・黄・緑・水・青・紫などの色の種類を360分割したもの。
S(彩度)は色の鮮やかさで、数値が大きければ原色に近い鮮やかな色合いに、数値が低いと灰色じみた鈍い色合いになります。
V(明度)は色自体の白さや黒さを表す数値で、数値が高いと白っぽく、低いと黒っぽくなります。

詳しい話は専門の本を読んでもらうとして、ここでは
・彩度と明度が決まれば「トーン」が決まる
・さらに色相も決めれば色が確定する

という2点を覚えてください。

で、俺がおすすめするもっとも簡単なトーンオントーン塗りのやり方は、塗り始める前の段階で「S」と「V」を完全に固定してしまうことです。
つまり、「彩度と明度はいじってはいけない」というマイルールを作ってしまうわけです。
色の選択は「H」の調整のみで行う。
(「美しくないと感じた場合だけ多少融通を利かせてよい」くらいの追加ルールならあってもいいと思いますが、一般的な風景画やストーリーイラストの場合は、彩度や明度をコロコロいじる必要はそもそもないはずです)

「S」と「V」が固定されれば、色数は360色まで絞り込めます。「黄色」だけなら10色くらいしかありません。
「真っ白」と「真っ黒」はあらゆるトーンに調和する色なので例外としてもいいとして、それでも362色です。

この状態であれば色で迷うことはそんなにありません。

また、最初のS・Vの設定がよくないことにあとで気づいちゃった場合でも、調整することもできます。
調整はお絵かきソフトの「色相・彩度」という機能を使えばいいです。(クリスタの場合は「色相・彩度・明度」)

トーンオントーンで塗れない箇所は?

ただし、今回紹介した「SとVを固定する」方法にも欠点があります。
彩度・明度をいじっちゃいけないマイルールをあまりにも厳格に守りすぎてしまうと、影も付けられないし、主体と背景のトーンも同じになって主体が絵に溶けこんでしまいます。
また選択したトーンによっては、肌色に合致する色がなくて人間が描けないこともあるでしょう。
ですが、だからといって臨機応変で何とかしてるだけでは、今までの訳も分からず何となく塗ってる状況と何も変わりません。

だったらどうするかってぇと、SとVが固定されているがゆえに色を決められない箇所は「トーンイントーン」という色選択法を使います。
これは、トーンの中に別のトーンを混ぜる、という意味です。

絵の中にすでに使われている色と同じ色相の色は、トーンを変えても色の調和が崩れません。
下地に肌色でベタっと塗った箇所は、深みを出すためにグラデーションを使ってもちゃんと馴染むということです。

また、まだ絵の中に使われていない色相の色であっても、すでに使われている色相と調和する色は、トーンを変えても調和します。
たとえば絵の中に「赤」がすでに使われていれば、赤の調和色である「青」は、異なるトーンの色を使っても構わないわけです。
同じように、トーンの中に肌色が含まれていない場合には、肌色と合う色(たとえば赤や空色)をあらかじめ背景に使っておけば、人間が背景に浮足立ちません。
逆に赤と調和しづらい「青紫」や「黄緑」は、異なるトーンの色を無理やり使うと不自然になりやすくなります。

ちなみにここでいう「色が調和する」とは、単に「色同士の組み合わせが美しい」という意味です。
もし「色と色が合うとはどういうことか」がそもそも分からない人は、色彩調和理論というものを学べばいいです。色彩学の比較的中難度以上の本で触れられています。
ですが何となくでも思うところがあるなら、調和するかどうかを自分独自の感性で決めても構いません。
(ただし「あらゆる色同士は全て調和する」という考え方は持ってはダメです。それは純粋に間違いです。色は組み合わせによっては調和しないことがすでに証明されています)

なお一部、今回のコラムを見て「ようするに何色でも自由に使っていいんじゃん」と思う人もいるかもしれませんが、そうではありません。
絵には必ず基本となるトーン(ベーストーン)が1つあり、それが雰囲気を決定づけます。
ベーストーン以外の色は、あくまでも忙しくなりすぎない程度に使うのがポイントです。

また、ダークグレイッシュトーンのイラストの中に1ヶ所だけビビッドトーンを使う、みたいなあまりにも極端すぎる場合は、たとえトーンイントーンのルールに則って調和色同士で使う場合であっても話が全然別だったりもします。
そのへんは、どこまでなら許されるのか、プロの作品をよく観察することです。
(もちろんプロのイラストの中にも、教科書通りの凄く参考になるイラストや、邪道なテクニックを駆使したあまり参考にならないものまで色々あります。最初のうちは「パッと見すっきりしている」と感じるものを優先的に研究するといいでしょう)



少し慣れれば、「トーンオントーン」と「トーンイントーン」の組み合わせだけでも、とりあえず何とかなっちゃうことが分かってくると思います。
常日頃から配色で悩んでいる人は、この2つを使ってみてください。

悩みながら何となく塗ってきた期間が長い人は、多くがトーンオントーンっぽいテクニックを無意識に使っているはずです。
なので今後はそれを意識的にやるようにするだけで、テクニックはすぐ手に馴染むと思います。

プロと同じ色選びで絵を描く

イラストを描くとき、「色選びで悩む」という声をたまに聞きます。
俺自身はそういうので悩んだことはありませんでしたが、むしろ悩んだことがないゆえに、「出来上がりの色使いが凄い地味」ということも多かったように思います。

そんなときに気にすべきなのは、プロが描いた絵は、アイコン化してもプロのだと分かるという事実。
プロが描いたイラストを切り取ってアイコンにしてる人は多いですが、たまに小さくしすぎて絵がつぶれてしまって、中身の判別ができなくなってるケースもあります。
そんな絵であっても、とりあえず「プロが描いたのか、アマチュアが描いたのか」だけはなぜか区別できるんです。

以前はそれがとっても不思議だったのですが、考えてみれば当たり前でした。
プロとアマとでは、色の選び方が違うからです。

アマチュアのイラスト制作は基本1人で行うため、どんなにプロ志向の人でも、どうしても本人の好みが絵に反映されてしまいます。
ですがプロは、ペラの1枚イラストであってもチームでの製作になるため、個人の好みが入る余地が比較的ないわけです。
あらかじめイラストに使う色を打ち合わせで決めているのです。

というわけで今回は、プロがどのように「色」を決めてるのか、という話。

1. カラー計画

素人はまずやらないけどプロは絶対にやる、というものの1つが「カラー計画の立案」という作業です。
中級以上の人であれば無意識にやってる人もいますが、初心者でカラー計画をちゃんと立ててる人はまず見たことありません。
でも、カラー計画を立てないプロというのもまた、ありえないのです。

カラー計画というのは、会社によって色彩計画・色設計・カラープランなどと呼ばれたりもしますが、要は「どんな色を使うか」ということをあらかじめ打ち合わせて決めておくことです。
これを先に決めておかないと、たとえば勇者の装備品の色が部位によってバラバラでバランスが悪いとか、ストーリー的に連続したスチルなのに雰囲気が違うなんてことが起こります。

もしかすると「同人なら個人の好みでいいじゃん」と思うかもしれませんが、イラストというのは、それが「いい作品」かどうかを決めるのは描いた本人ではありません。
絵を見てくれた人に気に入ってもらえなければ、そのイラストは自己満足で終わってしまい、商品価値はつかないのです。

たとえば俺が幼稚園くらいの頃、世の中の「自動車」というものが、全て単色で塗られているのが不思議でなりませんでした。
白い車は全身真っ白、黒い車は真っ黒、赤い車は真っ赤というのが不思議で、いろんな色でカラフルに塗ったらカッコよくなるのにとか思ってたんです。
なわきゃねぇだろww
まぁ、ようするに素人の「個人の色の好み」なんてその程度なんで、それに頼るのって実はとっても危険なんです。

だからこそ、たとえ同人制作であっても「見てくれる人の好みに合わせる」という作業が必要になってくるのです。
それが「カラー計画を立てる」という作業です。

とはいえ、どの箇所にどんな色を使うかを全て綿密に決めてしまうのではなく、ベースカラーメインカラーアクセントカラーの3つの色を、「テーマカラー」という形で決めるのが一般的です。

2. ベースカラー

カラー計画は、イラストを最初に描きはじめるときに決めた「テーマ」から必然的に導くのが自然です。(テーマの決め方で悩んでる人はこちら

テーマが決まったということは、そのイラストを見せたい「読者層」が絶対あるはずです。
なので、そういった人達が好みそうな色を選ぶというわけです。
(※読者層とは、誰が見てくれるのか、ではなく、誰に見せたいか、です)

「激しい情動」みたいなテーマのときは赤などの強い色を、「やさしさ」などのときはパステルカラーといった具合です。
また同じ「激しい情動」がテーマのときであっても、10代の少年向けのイラストの場合と、40代の女性向けの場合とでは本人達の好みは違います。

ですから、どんなテーマの絵を誰に見せたいかによって、どんなテーマカラーを選べばいいかはだいたい決まってくるわけです。
いまいち想像できないときは、読者層にイメージ的に近い知り合いを代表で1人選んで、その人に「これこれこういう雰囲気に合うと思う色は?」と聞けばいいです。
想像で何となく分かりそうなときは、その色を選んでしまって構いません。

んで、この「テーマそのものから直接選んだ色」のことを、ベースカラーといいます。
イラストの場合は「世界観や、絵の雰囲気そのものを表す色」と定義されます。

絵の具やコピックで塗る場合は、全体の雰囲気をその色に近づけたり、全体の雰囲気を決定づける要素などにその色ったりします。
デジ絵の場合は、最後の仕上げの際に、風景全体の雰囲気を統一する目的で最上位レイヤーに不透明度30%程度の単色コートやグラデーションコートをかけたりするのですが、そのコートの色と考えればいいかもしれません。

3. メインカラー

次にメインカラーを選びます。
ベースカラーが「世界観の色」だったのに対し、メインカラーは「登場人物の色」です。

ベースカラーを選ぶとき、パステル・ビビッド・ダーク・和風などの「系統」を意識したはずです。
それと同じ系統の中から、キャラクターの本質を表す色を決めます。
たとえば主人公が本質的に正義であれば「白や銀」、悪であれば「黒」を、情熱家の場合は「赤」といった具合です。

こちらについても「絵を見てくれる人の好みで決める」という基本は一緒で、たとえば「俺の読者は、『悪』属性の主人公を何色にすることを好むだろうか」と考えます。
ですから場合によっては、悪属性の主人公のメインカラーが血の色だったり灰色だったり、情熱家のメインカラーがスカイブルーだったりするかもしれないわけです。

なお世の中には、「ギャップ萌えを狙ってわざとキャラの本質とメインカラーをずらす」といったことをする人がプロの中にもいますが、だいたい外すので基本やってはいけません。
色と本質の不一致はギャップ萌えどころか「キャラクターとしての不自然感」しか生まないため、そのキャラクター自体の影が薄くなってしまうためです。

メインカラーはキャラクターの本質を表す色なので、必然的にキャラクターごとに個別に決めることになります。
主人公に脇役が2人いる場合、その2人にもそれぞれ色を決めてあげます。

その際、これも「系統」はそろえる必要があります。
主人公と同一勢力に属するキャラクターの場合、同じ雰囲気で統一した方が安定感が出るためです。

逆に敵対勢力のキャラクターは、系統が異なった方が見てくれる人にも親切です。
(敵味方でわざと同系統色を使うと、「あとで仲間になる感」や「言うほど仲悪くない感」が出ます)

4. インパクトカラー

通常、キャラクター1人の立ち絵くらいだったらメインカラーが1つあれば事足りますが、アクセントを加えたいという場合に、わざと本人の特性に合わない色を使うことがあります。
そのような場合に使う色のことをインパクトカラーといいます。
ストーリー内で重要な役割を果たすアイテムの色や、主人公のキャラの見た目を決定づける箇所など、わざと目立たせたいところに使う色です。

ただし、自動車をカラフルに塗ってもカッコよくなることはないということからも分かる通り、インパクトカラーはやたらめったらたくさんあればいいというものではありません。
通常、メインカラーに対応する色として1色を決めます。
どうしてもしょうがない場合でもせいぜい2色くらいまでで、3色以上使った例は俺は見たことがありません。

メインカラーに対するインパクトカラーの決め方は、スクエア法とかトライアングル法といった方法もあるのですが、要はカッコいいと思う組み合わせでありさえすればなんでもいいので、特に希望がなければ「同系統で」「補色に近くて」「カッコよくキマる色」という条件で探すのが無難でしょう。

5. 実際の使い方

んで。

色が決まったらあとは実際に使うだけなのですが、中には「たった3色でどうしろってんじゃい(怒」とか思っちゃうひねくれた人もいるかもしれないので、そこも説明しておこうと思います。

実際にイラスト内で塗るのは、「現実的にありうる色」か「今回決めたテーマカラー」のどちらかです。
別に全ての場所を3色で塗るわけではありません。(言うまでもなく当たり前ですが)

たとえば普通の人間の肌の色は人種設定によってだいたい決まっており、「緑色の肌の勇者」とかいないので、テーマカラーの影響は受けません。
(「ハルクは? ねぇ、ハルクは?」と思った人は、ちょっと黙っててください。あと臨機応変って言葉を覚えましょう)

同じように、ゴム部品は黒、靴紐は白、カラスは黒など、世間一般的に色が決まってるものはその色を素直に使えばいいです。
ただし雑草やビルなど、世界観を決定づける要素は、多少ベースカラーを混ぜた方がいいです。

髪の毛はメインカラーの影響を受けやすい要素ですが、アジア人なら黒っぽく等、人種設定上の本来の色に近い感じにすると自然です。
(作品の雰囲気がポップな感じの場合は、「髪が蛍光色」などの極端な例があってもいいですが、アホっぽく見られることがあるのでわざとの場合以外は避けましょう)

逆にアクセサリー・普段着・装備品など、塗装されているものは、積極的にテーマカラーのものを使いましょう。

なお、制服の類は、学校・企業・部隊などによって決まっているので、キャラクター自身のテーマカラーは無視して構いません。
ですが、そうすることによって結果的にメインカラーを使う場所がなくなってしまう場合、それはキャラのインパクトが不足しているということです。
そんなときは、メインカラーの色のオブジェクトを無理やりつけるのではなく、もう1度人物設計から練り直した方がいいでしょう。

それからテーマカラーを使う場合でも、全ての箇所を同じ色で塗ればいいというわけではなく、明るい日の下にある場合と暗いところにある場合とでは実際に使うパレットカラーは変わるし、それからキャラクターを背景化する場合は、その背景に合わせて色を濃くしたり淡くしたりします。(これも当たり前ですが!)

6. マルチカラー

あと、「自分はカラフルな絵が好きだし、3色じゃ全然足りない!」と思う人もいるかもしれません。
そんな人は、今描こうとしている絵のデザインが「本当にカッコいいのか」を考えてみてください。

通常、世の中の多くの作品・商品は、テーマカラーが比較的はっきりしていることが多いです。
デザインが評価されたものほどその傾向は高まります。
いろんな色が雑多にまじりあったデザインというのは、基本的にはカッコ悪いことの方が世の中的に多いのです。

どうしてもという場合は、虹色を7つの色の組み合わせではなく、「虹色という1つの色」ととらえる方法もあります。(俺の好きな藤ちょこさんは、ベースカラーに虹色を使うのが得意です)
Microsoft Windows のタイトルロゴは、以前は赤・青・緑・黄の4色のロゴを使っていましたが、特に違和感を唱える声はありませんでした。
これは4色を「4つそろって1つの色」ととらえ、必ず4色カルテットで用い、その順番がどんな場合も必ず一意になるように注意していたからです。

他にも、ミス・モノクロームはメインカラーが白と黒の2色なのではなく、白と黒を「モノトーン色」という1つの色ととらえています。
またはスタイリッシュさを演出する方法として、グラデーションもメインカラーの一部ということにするという手もあります。

上記のような例も含め、ベースカラーとメインカラーは必ず「1色ずつ」です。


キャラクターデザインの際にカラー計画を考えていなかった人は、一度考えてみてください。
今までよりもキャラがカッコよく決まるはずです。